Muretz, el grafitero empeñado en hacer de São Paulo una ciudad más divertida

Por las noches, Muretz sale con sus botes de pintura y se dedica a decorar las calles de su ciudad. Lo hace por diversión, por disfrutar del riesgo y por compartir sus mensajes con el resto de sus vecinos. Un generoso regalo que este brasileño realiza a su comunidad en aquellos ratos libres que le dejan su trabajo remunerado como dibujante.
Muretz comenzó a pintar desde muy joven. En la escuela, cuando todavía no había cumplido cinco años, se pasaba el día dibujando y, gracias a ello, descubrió que tenía un notable talento para hacer reír a la gente con sus dibujos y caricaturas.
«Me lo tomaba como una diversión. Incluso hubo épocas en que, aunque no abandoné el dibujo, lo cierto es que lo dejé en un segundo plano. Sin embargo, cuando las demás opciones profesionales comenzaron a mostrarse poco interesantes, empecé a considerar que el dibujo, o cualquier actividad creativa, podría ser un medio de vida».
Durante esa etapa de incertidumbre, Muretz había abandonado su Brasil natal para afincarse en Inglaterra. Entonces apareció un primer encargo que resolvería esas dudas: ilustrar una revista infantil. «Ganaba bastante dinero y empece a entender en qué consistía ser profesional de la ilustración pero, para entenderlo del todo, me apunté a un máster de ilustración en la Central Saint Martins».
Con el tiempo, además de mejorar su técnica, Muretz comenzó a desarrollar ese estilo propio tan necesario para destacar entre los demás profesionales del grafiti. En su caso, un dibujo basado en la sencillez, en el uso de muy pocos colores –porque «usar demasiados es muy aburrido, hay que llevar muchas latas y son muy difíciles de ver cuando pintas por la noche»–, y que, en todo caso, transmita una idea.
Muretz no soporta a los artistas vanidosos, preciosistas o aquellos que piensan que el arte es mera decoración. «La función del arte no es estar colgado de una pared», afirma, y en su caso es una gran verdad: sus trabajos en lugar de colgar de las paredes, las cubren por completo.
Cuando pinta paredes en la calle, Muretz lo hace gratis. Lo mismo sucede cuando pinta en el interior de algún local concurrido o por el que pasa mucha gente. Sin embargo, cuando alguien le pide pintar en su casa, para su disfrute privado, lo normal es que directamente no acepte el encargo.
Pintar en la calle no es sencillo y tiene más riesgos de los que podemos imaginar. Tanto en Gran Bretaña como en Brasil, aunque en cada lugar tienen diferentes maneras de solucionar las cosas.
«En Inglaterra el grafiti está muy prohibido. Si te pillan, vas preso por vandalismo y se acabó la discusión. En Europa hay que pedir permisos, y por eso los grafitis que se hacen allí están más planeados, mejor dibujados. Por ejemplo, Os Gemeos acaban de hacer un mural en Milán de 30 metros de altura que les debe haber llevado una semana de trabajo.
En Brasil, a pesar de que también es ilegal, si los dibujos se hacen rápidamente, el riesgo de ser descubierto es menor y, en todo caso, la policía suele hacer la vista gorda.
«Sin embargo, en varias ocasiones me han sorprendido y me han llegado a apuntar con armas. En una ocasión, estaba decorando una pared bajo un puente de la Marginal Pinheiros y llegaron dos policías apuntándome con los revólveres para asustarme. Llegué a ver la bala en el fondo del cañón. Me retuvieron, me preguntaron si era artista y, cuando les respondí que sí, el policía comentó “al que teníamos que detener entonces es a tu profesor, por enseñarte a dibujar esa porquería”. Todos nos reímos, los policías abandonaron el lugar y yo continué con el mural».
http://www.yorokobu.es/muretz-el-grafitero-de-sao-paulo/

Los dibujos a ritmo de rockabilly y jazz de Derek Yaniger

Cuando te paras a contemplar un dibujo de Derek Yaniger, en tus oídos resuena sin poder evitarlo un rock ‘n’ roll de los 50. Tu mirada se queda atrapada en la escena que protagonizan unos divertidos personajes que podrían habitar en una oficina de Mad Men, junto a exóticas bailarinas hawaianas con cocos en los pechos y faldas de hojas de palmera.
Derek Yaniger, nacido en Arkansas (EEUU), se siente fascinado por la estética beatnik y rockabilly de los años 50 y 60 americanos, así como por la cultura tiki. Todo su estilo mezcla ese mundo infantil de dibujos animados (sus personajes recuerdan estéticamente a los de Hanna-Barbera o la Pantera Rosa) y el lascivo mundo adulto. La música también está muy presente en su obra. Las viejas canciones que escucha mientras dibuja marcan el ritmo de sus personajes. «Trato de capturar esa energía en mi boceto inicial y mantenerla durante toda la pieza.
Yaniger empezó su carrera como ilustrador en publicidad, «pero aquello era un coñazo». Pasó también por Marvel y Cartoon Network, pero la experiencia tampoco le satisfizo y se cansó de dibujar para otros. Desde entonces, se metió de lleno en su mundo retro y publica asiduamente en revistas como Barracuda, Atomic, Car Kulture o Tiki Magazine. Acaba de ver publicado su tercer libro y es el diseñador de cabecera de destacados eventos retro como Tiki Oasis, Viva las Vegas o Wild Weekend.
http://www.yorokobu.es/derek-yaniger/

Antes del manga, Yoshitoshi era el amo de la ilustración japonesa

En el sintoísmo y la mitología japonesa, Tsukuyomi es el dios de la luna. Hermano de Amaretuasu, la diosa solar, los géneros de ambos dioses son excepciones notables dentro de la cosmovisión de los pueblos, que tienden a darle a Lorenzo el carácter masculino y a Catalina el femenino. Ambas deidades nunca están juntas, creando el ciclo del día y la noche, debido a que Amaterasu se enfadó con su hermano por matar a Ukemochi, la diosa de la comida.
Tsukuyomi es el testigo de excepción en la serie Cien aspectos de la luna, que el grabador japonés del siglo XIX Tsukioka Yoshitoshi creó al final de su vida y que fueron publicados por el editor Akiyama Buemon en Tokio. Sans Soleil acaba de editar una versión en castellano de esta obra que recoge una serie de acontecimientos que marcan la cultura japonesa.
«Es una especie de enciclopedia visual de los aspectos más notables de la cultura clásica japonesa», con una «variedad temática desbordante, con personajes religiosos, políticos, militares, literarios y mitológicos», explica David Almazán, profesor del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza y editor de la edición en castellano.
La técnica de grabado usada por Yoshitoshi es el ukiyo-e, una forma de xilografía que podría traducirse como pinturas del mundo flotante que tuvo gran importancia durante el periodo Tokugawa (1603–1867). Su notoriedad, explica Almazán, fue una consecuencia del desarrollo editorial japonés y de las clases medias.
«Una población que mayoritariamente sabía leer y que vivía concentrada en grandes urbes es, sin duda, un buen mercado para el negocio de la literatura de ocio. Las novelas se vendían mejor si estaban ilustradas, así que floreció un próspero negocio de ilustración de libros, que pronto derivó en la creación de estampas independientes».
Era un producto de consumo como el manga actual, de venta en kioscos y no en galerías de arte, sin pretenciosidad pero con gran calidad gráfica. Su temática iba desde la alta cultura hasta la sátira, pasando por la pornografía o el belicismo. Apreciado por las clases medias, no se consideraba parte del gran arte que disfrutaba la cumbre de la pirámide social japonesa.
«Ninguno de los artistas del ‘ukiyo-e’ ganó grandes cantidades de dinero y todos llevaron vidas bastante humildes y sin reconocimiento oficial debido a su bajo rango social», cuenta. «Por eso sorprendió mucho en Japón que los artistas más valorados en Occidente no fueran los grandes pintores de la tradición culta, sino los autores de las estampas ‘ukiyo-e’, como Utamaro o Hokusai».
El Japonesismo es como se denomina a la influencia de este tipo de grabado en pintores y artistas impresionistas. Édouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet o Toulousse-Lautrec son solo algunos de los grandes nombres que coleccionaron estas estampas, que llegaban a occidente gracias a la apertura al exterior que trajo a Japón la restauración Meiji. La claridad de la línea, el espacio compositivo y la fuerza del color impactaron en el desarrollo del arte occidental.
Yoshitoshi, el autor, es definido por Almazán como «el más genial de los artistas del grabado japonés de la segunda mitad del siglo XIX por su gran habilidad para el dibujo y su gran imaginación» y el «último maestro del grabado japonés». La modernización del siglo XX, con sus técnicas de impresión, achicó el espacio del grabado ukiyo-e. Este pasó de objeto de consumo de masas a elemento de prestigio para los coleccionistas. Un camino que una parte del arte popular suele transitar.
https://www.yorokobu.es/yoshitoshi/

50 creativas que deberías conocer

El 8 de marzo vuelve a traer consigo reflexiones acerca del papel de la mujer en el diseño. Hay quienes aseguran que no hay casi mujeres en la profesión de la creación visual, pero esta afirmación no puede estar más alejada de la realidad. En otras ocasiones, con el fin de ahondar en el tema, ya contamos con la voz de diferentes diseñadoras para conocer su visión, y hoy os invitamos a conocer el trabajo de 50 increíbles creativas.
http://graffica.info/50-creativas-dia-internacional-de-la-mujer/?utm_source=dlvr.it&utm_medium=facebook

Ilustración de María Herreros

Carteles de cine

Laurent Durieux es un dibujante belga nacido en 1970, el gran sueño de Durieux era convertirse en dibujante pero las cosas no salen siempre según lo planeado.
Durante años , trabajó en Bruselas como ilustrador freelance en publicidad, hasta que hace unos años decidió dar un giro a su vida. Desde entonces, está considerado como uno de los artistas más importantes de carteles de películas. En los últimos años, ha creado gran cantidad de diseños de carteles de clásicos del cine americano, desde las obras maestras de Hitchcock, a Tiburón , Pulp Fiction o El Padrino. Francis Ford Coppola , Steven Spielberg y Robert Downey Jr. están entre sus admiradores.
Bienvenido al mundo retro-futurista de Laurent Durieux
Laurent Durieux no vive en un mundo retro-futurista imaginada por H. G. Wells y diseñada por Raymond Loewy, pero mirando a sus serigrafías de los últimos años, se podría pensar que es así. Los robots gigantes se elevan sobre los bosques poblados por bestias míticas como Bigfoot y King Kong; cielo de la ciudad está llenas de aeronaves en forma de Snoopy, mientras que los vehículos Buck Rodgers-pasan zumbando en estrechos monorraíles; y monstruos de películas son retratados como seres sensibles, víctimas de sus grotescas en lugar de Fiends venganza como combustible.
A pesar de que ha pasado más dos décadas como diseñador, el ilustrador y artista gráfico ha sido descubierto recientemente en Estados Unidos, gracias a una serie de premios y reconocimientos, incluyendo una serigrafía del año 2013 de la película ” Tiburón que llamó la atención del propio director de la película Steven Spielberg. En 2011, Durieux fue nombrado uno de los 200 mejores ilustradores del mundo por la influyente revista internacional Lürzer’s Archive, desde entonces su carrera en el país americano ha sido meteórica.
En Granada se puede disfrutar de la exposición “The Poster Art of Laurent Durieux”, con más de 60 adaptaciones de carteles cinematográficos del artista que ha prestado la imagen a Retroback 2016 con su adaptación del cartel de la película “Planeta Prohibido”
http://www.laurentdurieux.com/

20 diseñadores gráficos que debe conocer

El diseño gráfico en comparación con otras áreas del diseño, es una profesión bastante nueva, que sólo ganó relevancia profesional real en la década de 1950 y 60. Hay muchos estilos de diseño gráfico, y con ello también varias formas de mostrar y transmitir información. En esta lista tratamos de darle una visión transversal de estos diferentes estilos y los diversos pioneros de esta profesión. Estos son los hombres y mujeres del diseño gráfico, del pasado y presente, a quienes creemos que usted debe conocer.
Piense en esta recopilación como un punto de partida para cualquiera que quiere saber más sobre un campo muchas veces incomprendido.
http://www.zentra.com.pe/20-disenadores-graficos-que-usted-debe-conocer/

Festivalet, Sprout by HP y el aura de las cosas hechas a mano

En Festivalet, una panda de locos que prefieren emplear el doble o el triple del tiempo estrictamente necesario en fabricar un producto se reúne con otra panda de locos que prefiere pagar dos o tres veces más por esos productos.

Todos ellos comparten un secreto. Saben que lo que están adquiriendo tiene en realidad mucho más valor del que aparenta. Sonríen cómplices con la malicia del gerente de una casa de empeños que paga un par de monedas a un ignorante por un reloj de oro puro diciéndole que es de latón.
(Yorokobu + HP)

Las cosas hechas a mano tienen un aura parecida a la que tienen las obras de arte. Según Walter Benjamin, por exacta que fuera la copia de una obra de arte, por mucho que compartiera forma y materiales con la original, nunca podría tener su aura. El aura es algo que rodea a algunos objetos y es inapreciable a través de los sentidos, y tiene que ver con su autenticidad, lo que son. Se caracteriza por no ser reproducible, por ser «singular e irrepetible».

La artesanía posee también un aura, y por eso siempre tendrá más valor que los productos manufacturados, independientemente de su precio. Lo tiene porque guarda una historia detrás que contiene los nombres de las costureras que dieron las puntadas o de los escultores cuyos dedos presionaron la arcilla, al contrario que los productos manufacturados a gran escala, que son vomitados sin mesura de enormes fábricas impersonales. Según Paul Valery, la técnica incide sobre la inventiva y puede llegar a modificar el producto resultante y el concepto mismo de arte. Las ventajas de la reproducción en cadena (abaratamiento, velocidad, facilidad de adquisición) suponen la renuncia a una existencia irrepetible en pro de una presencia masiva.
Los objetos hechos a mano son más susceptibles de despertar emociones y sentimientos, por su singularidad, la de sus materiales y la de su costoso proceso de producción. Es mucho más difícil coger cariño a un objeto fabricado en serie por una máquina con materias primas baratas.

Este año se celebra la octava edición del Festivalet, la feria independiente de productos hechos a mano o manufacturados a pequeña escala que tiene lugar en el Museu Marítim de Barcelona. El evento está dividido en cinco grandes bloques: artesanía y diseño, materiales, publicaciones, gastronomía y colaboradores
http://www.yorokobu.es/festivalet-2015/

David Bowie, un genio

David Bowie, la legendaria estrella del rock de 69 años, murió ayer en Nueva York, víctima del cáncer. Así se anunciaba, hacia las 7.30 de esta mañana, en los perfiles oficiales del artista en Facebook y Twitter. “David Bowie ha muerto en paz hoy rodeado de su familia, después de una valiente lucha de 18 meses contra el cáncer. Mientras muchos de vosotros compartiréis la pérdida, pedimos respeto a la privacidad de la familia durante su tiempo de dolor”.

La noticia fue confirmada poco después, también en Twitter, por su hijo, el director de cine Duncan Jones. “Lamento mucho y me entristece decir que es verdad”, ha escrito. El representante del artista ha confirmado también la noticia, según citan diversos medios británicos. El primer ministro británico, David Cameron, también ha lamentado la “enorme pérdida” de un “maestro de la reinvención”. “Crecí escuchando y viendo al genio del pop David Bowie”, ha escrito en Twitter.

El shock por la muerte de un artista que ha influenciado como pocos la música y la estética durante 50 años, cuya enfermedad no había trascendido, es aún mayor debido al hecho de que acababa de publicar un nuevo álbum la semana pasada, coincidiendo con su 69º cumpleaños. El destino ha querido que el disco saliera a luz solo tres días antes de su muerte.

Blackstar, el 25º álbum de su carrera, con siete canciones de aires jazz y toques electrónicos, fue elogiado por la crítica en todo el mundo. El creador de Ziggy Stardust, según sus colaboradores, no tenía previsto defender el disco en directo ni conceder entrevistas de promoción. En los últimos años Bowie mantenía un perfil bajo, después de que se informara que había sufrido un atque al corazón en la década pasada. Su último concierto fue en 2006 en Nueva York.

Con sus discos, sus apariciones cinematográficas y sus looks, David Bowie -nacido David Robert Jones- deja una huella imborrable en la música y en la cultura popular del último medio siglo. Estaba casado desde 1992 con la modelo Iman, con quien tuvo una hija.

Los #dibujantes boicotean Angulema por la falta de #mujeres

La polémica ha estallado en el Festival de Cómic de Angulema, en Francia, al desvelarse los nominados al Gran Premio: entre los 30 autores, ni una mujer. La situación motivó que varios dibujantes pidieran ser borrados de la lista y cedieran su lugar a otros nombres, del sexo femenino.

El llamamiento al boicot se hizo por el Colectivo de creadoras de #cómic contra el sexismo. La asociación denunciaba que, en 43 años de existencia, sólo una mujer -Florence Cestac- había recibido el premio. “Nos levantamos contra esta evidente discriminación, esta negación de nuestra representatividad dentro de un medio que cuenta con cada vez más mujeres (…) Es intolerable que creadoras de renombre, con una carrera reconocida por todos, estén ausentes en este Apelamos al boicot del Gran Premio 2016”.

Uno de ellos fue el francés Riad Sattouf que, a través de su página de Facebook, rechazó la nominación: “Descubrí que estoy en la lista de nominados al Gran Premio del Festival de Angulema este año y estoy muy feliz. Pero resulta que esa lista sólo incluye a hombres. Esto me molesta, porque hay muchas artistas que se merecen estar allí. Así que prefiero ceder mi plaza por ejemplo a Rumiko Takashi, Julie Doucet, Anouk Ricard, Marjane Satrapi (…) Pido ser retirado de la lista con la esperanza de que me vuelvan a incorporar el día en que la lista sea más inclusiva”.

Los dibujantes Joann Sfar, Charles Burns y Daniel Clowes, le han seguido los pasos. “Apoyo 100% la posición de Riad. Ningún autor puede desear estar en una lista sólo masculina. Sería enviar un mensaje desastroso a una profesión en creciente feminización. Pido que mi nombre sea borrado”, se puede leer en la página personal de Sfar. “Es un desastre ridículo y vergonzoso”, escribió Clowes en su Instagram.

Otro dibujante, Pochep Philippe, decidió demostrar su apoyo al boicot con un dibujo parodiando la mascota del festival, seguido del hashtag #Oùsonlesfemmes (¿dónde están las mujeres?).

Entrevistada por France Info, la Ministra de Cultura francesa ha declarado estar “muy perturbada”. “La cultura debe ser un ejemplo en materia de paridad y respeto por la diversidad. Es desconcertante que, aunque las mujeres aún están poco representadas en el mundo del cómic, no se haya incluido ni un sólo nombre femenino en la lista”.

http://www.elespanol.com/cultura/20160106/92490757_0.html